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Medea può ritenersi uno dei due capolavori assoluti di Euripide (l’altro è Baccanti). Rappresentata nel 431 a.C. faceva parte di una tetralogia comprendente anche le perdute Filottete e Ditti e il dramma satiresco I mietitori. Al concorso delle Grandi Dionisie si classificò solo al terzo posto, dietro i lavori di Sofocle, vincitore, e di Euforione, figlio di Eschilo. Probabilmente non fu colta. in quell’occasione, la portata immensa della vicenda. O forse la lucida follia d’amore che spinge la protagonista, compagna di Giasone e madre suoi figli, a uccidere i propri figli, giunse troppo terribile anche ai giudici e al pubblico del tempo.
Krzysztof Zanussi, chiamato a firmare la regia dell’allestimento di Medea per il Teatro Antico di Siracusa, di quella terribilità non ha avuto paura. Anzi. Dotato di due protagonisti di primo livello, Elisabetta Pozzi e Maurizio Donadoni (Giasone), lascia che il temperamento della coppia, capace di accendersi fino al rogo, bruci con tutta la sua potenza.

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Immaginate per l’opera tripartita con cui Eschilo vinse gli agoni tragici di Atene nel 458 a.C. (l’unica giunta fino a noi in forma completa), il palazzo della Civiltà e del Lavoro, nel cuore dell’Eur romano. Immaginate ancora che una saetta separi un largo brandello, in forma di triangolo rettangolo, dal resto dell’edificio. La base maggiore poggiata al suolo; fino al sole, una scalinata immane, candidissima. A fianco, un’alta torre cilindrica (citazione del Piacentini della Stazione Termini) si lascia percorrere da una scala in ampie spire, anch’essa bianca. Le misure? Intimidenti: quindici metri l’altezza della costruzione, sei metri l’ampiezza della scalinata. Tre teorie di gradoni ad emiciclo, separati da corridoi, “spingono” infine lo spazio scenico verso la cavea.
Ci troviamo in un universo alla De Chirico che felicemente unisce l’arcaica aestà
della Grecia eschilea con il percorso pasoliniano che, dalla stazione romana, passando per l’Eur, fila verso la fatale Ostia, dove il poeta trovò la morte. Persino la tomba destinata ad Agamennone – un rettangolo di sabbia marina steso in proscenio – rammemora il litorale scandaloso e balordo che vide la fine dello scrittore. Il bell’involucro (senz’altro impegnativo sul piano della produzione) è per la storia e il destino degli Atridi, quest’anno chiamati in gruppo a marcare vieppiù il confine fra legge del sangue e legge del diritto.
L’avventura di Oreste vendicatore (uno dei fulcri simbolici del pensiero occidentale)
comincia nell’Agamennone: il re di Argo torna in patria dalla guerra di
Troia, carico di bottino, e viene assassinato dalla moglie Clitennestra, sobillata
dall’amante Egisto. A propria volta la regina, nelle Coefore, muore per mano del figlio Oreste, cui tocca appunto “offrirsi” alla vendetta delle Erinni. Le Eumenidi portano poi il matricida davanti all’Aeropago, il tribunale istituito da Atena, e la
giustizia, benché divina, si palesa alla società degli umani.
Cronache e testimoni dicono che nel 1960, regista e interprete Gassman, il testo di Pasolini fu una specie di deflagrazione, un Verbo avvicinato al popolo e caricato di valenze religiose tangibilmente vicine a quelle eschilee.
Carriglio punta «alla stessa vibrazione, alle stesse ferite, alla stessa, forte
immediatezza». Per gli attori del poderoso cast – Galatea Ranzi (Clitennestra
ed Elettra), Giulio Brogi (Agamennone), Luciano Roman (Egisto) e Luca Lazzareschi (Oreste) – ha voluto costumi “barbarici”, nel complesso neri come le Furie, comunque ammiccanti sia all’oro e ai rossi delle figure bizantine, sia alla penetrante semplicità delle atmosfere protocristiane.
Dopo il procuratore Grasso, altri ospiti pronunceranno, nel corso delle repliche, le frasi di Thomson sul valore del passaggio dal tribalismo vendicativo alla giustizia dello Stato: Giuliano Amato, Gianni Puglisi (storico della Lingua), Ivan Lo Bello, Corrado Piccione, il magistrato Ettore Randazzo, l’avvocato egiziano Cherif Beassiouni (Osservatorio Permanente sulla Criminalità Organizzata). Sia sa che l’invito a partecipare è pervenuto persino al presidente della Repubblica, Giorgio Napolitano. Nel l’attesa, al Teatro Antico di Siracusa si prova fino a notte fonda. Il gran disco del Sole, da quale uscirà Atena, aspetta maggio per risplendere sugli Atridi di ieri e di oggi.

Coefore. Ecco la tragedia di Oreste, che vendica la morte del padre per mano di Clitennestra uccidendo sia la madre assassina, sia Egisto. Lo guida Apollo. E verso il tempio del dio, a Delfi, lo sventurato si avvia dopo il duplice delitto. Luca Lazzareschi versa nel suo Oreste l’impeto tragico che
largamente possiede. Per contro, l’Elettra di Galatea Ranzi gli risponde con lo
scandito piglio sacerdotale che caratterizza, in Agamennone la Regina. E’ il testo, questo, che Cartiglio più intende come liturgico, come sacra rappresentazione da dividere in “luoghi deputati”: le ancelle esteticamente disposte; le geometrie dei personaggi (fino alla disperazione di Oreste) composte, ritagliate nella crudeltà del Destino senza la minima sbavatura.

Eumenidi. Un’autorevole Liliana Paganini, la Pizia, vede con orrore le Erinni che assediano Oreste nel tempio delfico (Pasolini lo dice “chiesa”). Apollo esorta il figlio di Agamennone a non temerle, mentre l’ombra di Clitennestra, cui preme invece il compimento della vendetta sul figlio matricida, esalta le puzzolenti creature della Notte. Che, coreografate da Leda Lojodice, sono le vere primattrici della terza parte siracusana, anche quando, sull’Acropoli dove Oreste chiede protezione ad Atena, si “normalizzano”, convinte dalla dea (strepitosamente contemporanea e sganciata dal resto, la figlia di Zeus, garante di futuro, è Elisabetta Pozzi). Nasce l’Areopago. Il senso dell’intera operazione vola rapido dall’Acropoli di Eschilo all’elogio della legalità firmato Thomson. Eschilo e Pasolini nostri contem­poranei. Grandi applausi dall’anfiteatro gremito.